PHILIP GLASS: SINFONÍA 9 (2011)

PHILIP GLASS (Estados Unidos: 1937-)

Sinfonía 9 (2011)
Estreno: 1.I.2012 ( Linz, Austria / Bruckner Orchester Linz / Dennis Russell Davies)

I. Movimiento I
II. Movimiento II
III. Movimiento III

Duración aproximada: 51´
VG: 6

Discografía:
CD: Bruckner Orchester Linz, Dennis Russell Davies (Orange Mountain)

Otras sinfonías del autor:
- Sinfonía 1
- Sinfonía 2
- Sinfonía 3
- Sinfonía 4
- Sinfonía 5
- Sinfonía 6
- Sinfonía 7
- Sinfonía 8
- Sinfonía 10

Comentario: No me gusta Philip Glass. Puedo tolerarlo gracias a las puestas en escena de su música para teatro o sus bandas sonoras para cine (premio Óscar mediante), pero su música puramente sinfónica o instrumental me ha parecido una suerte de receta, a veces efectiva y otras, no tanto. Mantenía esta opinión cuando estaba oyendo sus diez sinfonías (y a la espera de su obra 11 en este género). Realmente interesantes sus primeros intentos en el género, perturbadores incluso. Eso es bueno. Después baja la calidad con una retórica difícilmente digerible, con sus obras por encargo, sus coros y solistas que no dicen mucho la verdad...

Entonces empiezo a oír esta Novena y mi impresión a los cuatro minutos es que estaba oyendo una absoluta obra maestra. Las eternidades y reiteraciones ya no venían de la receta minimalista, sino que acá aparecen surgidas del más profundo Schubert. En cierto modo, Glass pareciera estar deconstruyendo el gran Quinteto en do del maestro austríaco. Sin duda, los ecos de Schubert llegan a esta música de un modo emocionalmente sobrecogedor. Pero también está la Novena de Mahler y todo esto matizado por la inclusión maestra de la percusión. ¿Un Schubert con componentes étnicos? Sí, pero más que eso... 

El primer movimiento se abre de modo casi convencionalmente glassiano, con una cuerda a intervalos y los trombones asomándose como si se tratara de Muerte y Transfiguración de Richard Strauss. Al minuto y medio, aparecen Schubert y Mahler. Maravilloso efecto melódico en maderas. La música comienza a ganar dinámica y sobreviene la intervención perturbadora y maestra de la percusión y sus modos étnicos venidos de América Central. La ambigüedad entre angustiosa insistencia y catártica liberación expresada rabiosamente es increíble. Oímos el tambor casi como salido de la Leningrado de Shostakovich y asoma el milagro... la orquesta queda pegada reiterando su mantra y uno a borde del asiento porque presiente que viene algo dramático e indecible... y el asunto es que eso llega. En una primera audición uno solamente tiende a dejarse llevar sin desear que esto se detenga. Pura tensión que nos carcome emocionalmente. Después el asunto comienza a calmarse para terminar nuevamente, citando a Shostakovich y su increíble final de la Cuarta sinfonía.

El segundo movimiento es de una belleza casi irreal. La melodía del inicio pareciera ser música fácil, pero en realidad, ahora sí de modo evidente, es la casi deconstrucción del bellísimo adagio del Quinteto en do de Schubert. Para quienes amamos la obra del austríaco, es un momento de absoluto arrobamiento. Tras terminar la sinfonía, creo que volví a oír esto unas cinco veces seguidas. Belleza a un centímetro de ser edulcorada, pero no. Esto es de una sinceridad desarmante. Más todavía cuando sobreviene la sección central nuevamente con percusión y metales desatados. Insistencia casi desesperada y violenta. Creo que jamás los gritos habían tomado una forma musical tan elocuente y devastadoramente hermosa. A los 9:40, una cesura que recuerda las  pausas brucknreianas abre paso a una secuencia de melancolía mahleriana. Las campanas del final entonces llegan para avisar que esto se extingue.

El mismo esquema del primer movimiento pareciera repetirse en el tercero, pero está bien... en los tumultos de metales y percusión advertimos una bella y dolorosa melodía coral en maderas luchando por hacerse oír casi petterssonianamente. Sin duda, en los 9:40, está el gran clímax de la Novena de Mahler y de la Novena de Bruckner... y no desmerece al lado de estos monumentos, porque sobreviene una de las codas más bellas que haya oído. Mahler y su Novena sinfonía, Shostakovich y su Cuarta Sinfonía (nuevamente) nos indicaron el camino a la pregunta sin respuesta de Ives. Glass toma el testimonio y nos dice que la respuesta es polvo, sombra y nada. Música de la absoluta desolación. 

No me extrañaría que esta obra sea considerada una de las obras maestras del siglo XXI... 

Les dejo la Novena de Philip Glass desde Youtube.

EINOJUHANI RAUTAVAARA: SINFONÍA 6 "VINCENTIANA" (1992)

EINOJUHANI RAUTAVAARA (FINLANDIA: 1928-2016)

Sinfonía 6, "Vincentiana" (1992)

Estreno: ¿1992? (¿Filarmónica de Helsinki / Max Pommer?)

I. Noche estrellada
II. Cuervos
III. Saint-Rémy
IV. Apoteosis

Duración aproximada: 42´
VG: 5

Discografía:
CD: Helsinki Philharmonic Orchestra / Max Pommer (ONDINE)

Otras sinfonías del autor:
- Sinfonía 1. (Dos ediciones)
- Sinfonía 2
- Sinfonía 3
- Sinfonía 4
- Sinfonía 5
- Sinfonía 7
- Sinfonía 8

Comentario: Rautavaara es un maestro consumado. Puede hacer lo que desee con una orquesta. Sus ocho sinfonías abordan lenguajes distintos, pero, sin duda, en ellas predomina la tendencia hacia una expresión post-romántica con toques modernistas y vanguardistas. Esto, que puede ser muy peligroso, al maestro finés le resulta de un modo absolutamente natural. El resultado, como ocurre en esta increíble Sinfonía 6 es magnífico.

La Sinfonía se basa en material de su ópera "Vincent" sobre la vida de Van Gogh. La obra está orquestada de modo casi milagroso. Partitura amenísima que pese al peligro de usar un sintetizador comercial (para ilustrar casi ingenuamente el estado de perturbación mental del pintor) revela una propuesta seria que echa mano de una férrea estructura y un paisaje sonoro lujurioso, siempre cambiante. La Sexta aborda un lenguaje abiertamente romántico, coloridos impresionistas deslumbrantes, cierto éxtasis minimalista y toques vanguardistas, sin que se resienta jamás la unidad de estos 42 minutos.

Más allá de la anécdota de los nombres de sus movimientos, que aluden a pinturas y episodios de la vida del pintor, estamos ante el fresco sonoro de un artista poderoso, que al igual que otros sucesores de Sibelius, como Sallinen y Aho, es capaz de internarnos en los prístinos paisajes boreales con la suficiente cuota de inquietud y misterio. La Sexta es una obra de amplios espacios con sinceras pretensiones místicas que me parecen logradas, al menos en mayor grado que en sus sinfonías posteriores.

Para mí, La Sexta de Rautavaara es una obra maestra y la mejor sinfonía de su autor. 

La obra desde Spotify

Desde Youtube, la Apoteosis Final

PAUL BEN-HAIM: SINFONÍA 1 (1940)

PAUL BEN-HAIM (ISRAEL: 1897-1984)

Sinfonía 1 (1940)
Estreno: 1941 (Orquesta de Palestina (hoy Filarmónica de Israel) / ¿dirigida por el compositor?)

I. Allegro energico
II. Molto calmo e cantabile
III. Presto con fuoco

Duración aproximada: 32´
VG: 5

Discografía:
LP: Breslav Symphony Orchestra / Artur Rosenthal (Aries)
LP: Royal Philharmonic Orchestra / Kenneth Alwyn (CBS)
CD: NDR Radiophilharmonie Hannover / Israel Yinon (CPO)
DVD, CD, VHS: segundo movimiento; Berlin Philharmonic Orchestra, Israel Philharmonic Orchestra / Zubin Mehta (Arthaus Musik)

Otras sinfonías del autor:
- Sinfonía 2.

Comentario: Una sorpresa. La primera sinfonía escrita en el actual Israel... y es una obra maestra. La primera impresión es estar oyendo una mezcla de Hindemith con Mahler. El resultado es una partitura muy elocuente y expresiva, pero cuya férrea construcción evita los sentimentalismos.

El primer movimiento está sabiamente escrito: muy contrastado y brillantemente orquestado. Al rítmico y abrupto inicio sigue una línea melódica de gran belleza que despliega un amplio arco de auténtica grandeza. Hacia el final una marcha alla Shostakovich, (antes que Shostakovich) cierra de modo tan abrupto a cómo empezó esta espléndida música.

El segundo movimiento es una meditada y bellísima cantinela confiada fundamentalmente a cuerdas y maderas aunque es su canto llega a un clímax a orquesta plena muy expresivo. Quizá por este carácter de intenso lirismo no reñido con lo solemne este movimiento a veces se toca de modo independiente.

El tercer movimiento es una tarantella increíble y casi imposible para la orquesta, y que quizá nos recuerde a Bartok. El eco de Mendelssohn, que también pasó por D´Indy llega a Ben-Haim cargado ya no de exostismos, sino de verdadero presagio de la mecanización que se avecinaba. En esto Tchaikovsky algo tiene que ver, ya que esa sensación de apabullante movilidad perpetua la encontramos en su Sinfonía Patética. Sin duda, soberbia música que logra articular su propia impronta, pese a tantos referentes cruzados...

Desde youtube. 

Acá un vídeo del segundo movimiento

ALLAN PETTERSSON: SINFONÍA 7 (1967)

ALLAN PETTERSSON (SUECIA: 1911-1980)

Sinfonía 7 (1967)

Estreno: 13.X.1968 (Copenhage / Filarmónica de Estocolmo, Antal Dorati)

Duración aproximada: 45´

VG: 6

Discografía: 

CD: Royal Stockholm Philharmonic Orchestra / Antal Doráti (Swedish Society Discophil)

CD: Swedish Radio Symphony Orchestra / Sergui Comissiona (CAP)

CD: Philharmonisches Staatsorchester Hamburg / Gerd Albrecht (CPO)

CD: Norrköping Symphony Orchestra /Leif Segerstam (BIS)

CD: Gürzenich Orchester Köln / Christian Lindberg (?)

Otras sinfonías del autor:

- Sinfonía 1(incompleta)

- Sinfonía 2.

- Sinfonía 3.

- Sinfonía 4.

- Sinfonía 5.

- Sinfonía 6.

- Sinfonía 8.

- Sinfonía 9.

- Sinfonía 10.

- Sinfonía 11.

- Sinfonía 12.

- Sinfonía 13.

- Sinfonía 14.

- Sinfonía 15.

- Sinfonía 16.

- Sinfonía 17 (incompleta)

Comentario: Allan Pettersson es el gran genio desconocido de la música de los últimos cien años. Ya llegando a la segunda década del siglo XXI, es una vergüenza la ignorancia de una obra colosal, novedosa y profunda como pocas. Existe cierto consenso en que tras Shostakovich el más grande sinfonista de la segunda mitad del siglo pasado fue Pettersson. 

La obra de Pettersson es dura, terrible incluso. Sus sinfonías son crispadas, de densidades insoportables y angustiantes, pero de pronto el genio del maestro sueco arroja un simple rayo de luz y nos vemos sumergidos en una congoja que mezcla el más sentido y auténtico de los abandonos con una resignación seráfica. Sin duda, en menor grado que Simpson, esta música bebe de la fuente de Nielsen, pero también se oye Shostakovich, Sibelius y Mahler como a través de un mal sueño que es acompañado por una banda de Heavy Metal (literamente, Pettersson expresa que componía con esta música de fondo, ya que tenía vecinos rockeros).

La primera vez que oí a Pettersson fue con esta Sinfonía 7 (su obra más célebre). Pocas música tan piadosas y llenas de comprensión por el dolor humano... y Pettersson sabía de aquello. De condición obrera, con una padre alcohólico y una madre sufriente, aquejado por una enfermedad degenerativa y terriblemente dolorosa, su obra no es en absoluto académica... estamos ante la biografía de un espíritu crucificado, pero escrita sin una pizca de autocompasión. Música plena de generosidad hacia todos los humillados y ofendidos.

La Séptima está escrita como un movimiento continuo. Tras muchas audiciones podemos advertir cierta estructura: Un primer cuarto que se abre con la dureza de costumbre en Pettersson dando paso a un figura rítmica en los trombones que recuerda el trágico pulso de una chacona. Algún rayo de luz de las cuerdas se filtra ocasionalmente. Tras un clímax violentísimo la música se vuelve más crispada en los metales y percusión interrumpidos por dolorosísimas intervenciones de la cuerda en sobreagudo. El efecto es emocionalmente devastador. En el tercer cuarto podemos advertir una sección muy lírica con una bella expansión de las cuerdas. Tras otros clímax violentos la música se abre paso a la cuarta parte, en la cual las dolorosas fanfarrias y toques de tambor abren paso a un discurso de abandono absoluto que hacia el final permite la reaparición del tema de los trombones mientras la cuerda y maderas filtran una melodía de belleza indescriptible produciendo uno de los momentos más sentidos del la historia del sinfonismo. Y el milagro es que esto no se detiene. Pettersson nos sumerge en la noche más oscura sin soltarnos por un segundo. Al ritmo de la barca de la isla de los muertos nos adentramos no precisamente en la muerte, sino en la tristeza del abandono que esta produce.

Desde el final de la Décima de Mahler que no se oía tal grado de sentido abandono y belleza. 

En los funerales de Pettersson se tocó por parlantes esta Séptima sinfonía. 

Para mí, la Séptima de Pettersson -con permiso de Shostakovich-, junto a su Quinta y, por sobre todo, su Sexta, son las más grandes sinfonías de la segunda mitad del siglo XX.

La Séptima de Pettersson desde youtube (dirige Antal Dorati)

Los 30 minutos finales en vídeo

Toda la resignación del mundo en el final de la obra

Robert Simpson: Sinfonía 1 (1951)

ROBERT SIMPSON (INGLATERRA: 1921-1997)

Sinfonía 1 (1951)
Estreno: 11.VI.1953 (Copenhage / Orquesta de la Radio Danesa, Launy Grøndahl)

1. Parte I.
2. Parte II.
3. Parte III.

Duración aproximada: 30´
VG: 4

Discografía: 

LP y CD: London Philharmonic Orchestra / Sir Adrian Boult (EMI)
CD: Royal Philharmonic Orchestra / Vernon Handley (Hyperion)

Otras sinfonías del autor:
- Sinfonía 2.
- Sinfonía 3.
- Sinfonía 4.
- Sinfonía 5.
- Sinfonía 6.
- Sinfonía 7.
- Sinfonía 8.
- Sinfonía 9.
- Sinfonía 10.
- Sinfonía 11.

Comentario: Las primeras sinfonías suelen ser buenas obras. Esta primera es extraordinaria. Concebida como la tesis doctoral de su autor, cuando contaba con 30 años, presenta características propias de un maestro en el género: sentido unitario, diversidad emocional, poder de síntesis, orquestación deslumbrante. El resultado -como diría alguien por ahí- es no solamente una extraordinaria primera obra en el género, sino una extraordinaria obra a secas. En sus tres partes tocadas sin interrupción, vemos la influencia de Nielsen. Ciertamente acá está el lenguaje del noruego, pero catapultado un paso más allá en su modernidad. Tienen en común cierta visceralidad y un primitivo vitalismo expresado a través de una llamativa potencia orquestal, en particular a través del proverbial uso de metales. No podemos dejar de oír la semejanza del apoteósico final con el episodio de timbales de la Cuarta de Nielsen. En fin. una obra que merece más grabaciones y audiciones.

Desde youtube. La primera grabación de la obra. Dirige Sir Adrian Boult.

Heitor Villa-Lobos: Sinfonía 11 (1955)

HEITOR VILLA-LOBOS (BRASIL: 1887-1959)

SINFONÍA 11 (1955)

Estreno: 2.III.1956 (Sinfónica de Boston dirigida por su autor)

1. Allegro moderato.

2. Largo.

3. Scherzo. Molto vivace.

4. Molto allegro.

Duración aproximada: 27 minutos.

VG: 3

Discografía:

CD:  Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR, Carl St.Clair (BIS)

Otras sinfonías del autor:

- Sinfonía 1.

- Sinfonía 2.

- Sinfonía 3.

- Sinfonía 4.

- Sinfonía 6.

- Sinfonía 7.

- Sinfonía 8

- Sinfonía 9.

- Sinfonía 10.

- Sinfonía 12.

Comentario: Una obra exuberante, atmosférica y densamente orquestada, lo que le da su característica de ser una especie de paseo por una perfumada selva, esta vez algo más citadina por sus usos más modernos (estadounidenses). Un apasionado Allegro moderato es seguido por un Largo muy dramático y oscuro. El scherzo de rigor es más atrevido y vanguardista que otros de su autor sin renunciar a los elementos étnicos propios del mismo. El final es uno de los más conseguidos de Villa-Lobos: posee ciertos ecos de música sinfónica americana trufada con citas de La Pastoral de Beethoven. La música adquiere un carácter onírico extraordinario. Una obra magnífica.

La Sinfonía 11 de Villa-Lobos desde youtube:

Sir Granville Bantock: Sinfonía Celta (1940)

SIR GRANVILLE BANTOCK (INGLATERRA: 1868-1946)

SINFONÍA CELTA PARA CUERDAS Y SEIS ARPAS (1940)

Estreno: 24.VII.1942 (Glasgow / BBC Scottish Symphony Orchestra / Raybould)

Duración aproximada: 20 minutos.

VG: 4

Discografía

Royal Philharmonic Orchestra, Vernon Handley (Hyperion)

Otras Sinfonías del autor

- Sinfonía Hebridiana (1).

- Sinfonía Pagana (2).

- Sinfonía La Diosa de Chipre (3).

- Sinfonía Celta (4).

Comentario: Sir Granville Bantock recién está comenzando a ser oído. Yo había leído sobre él ya que sabía que la Tercera de Sibelius le había sido dedicada por el genio finlandés. Aprovechando una oferta, compré una caja con su obra orquestal y me he llevado una sorpresa mayor. Sibelius lo tenía en estima... y con razón. 

No diremos que Sir Granville Bantock fuera un innovador. Por el contrario, fue un compositor epigonal. Su obra recuerda a Wagner, a Elgar, a Vaughan Williams (La Sinfonía Celta tiene los modos de la Fantasía sobre un tema de Tallis)... por ahí, algo de música nórdica y de folklore. Sin embargo es muy fresca, imaginativa y original. La imaginación sonora de Granville es poderosa y nada tiene que envidiarle a Richard Strauss o Respighi. Su lirismo es honesto y generoso. Ciertamente no es un músico de profundidades metafísicas, pero a cambio ofrece una belleza tan sincera que me recordó las palabras de Varesse, ese gran iconoclasta, con respecto a la música de Puccini: Varesse era uno de los personajes principales de la vanguardia musical y su músico favorito era Puccini. En cierta ocasión, lo entrevista Alejo Carpentier y le pregunta por este extraño afecto. Varesse dio una respuesta maravillosa. Le gustaba Puccini porque su música estaba maravillosamente bien compuesta. De eso se trataba todo.

Para alguien como yo, que siempre anda buscando los nuevos derroteros, la simple y directa belleza de la música de Bantock no pasa inadvertida. La Sinfonía Celta, sin duda, es una obra maestra, perfectamente proporcionada, increíblemente orquestada para cuerdas y ¡seis! arpas. Una composición de íntima grandiosidad que solamente un espíritu genuinamente artístico podría concebir. 

... La Sinfonía Celta es una obra que debería figurar en el repertorio de toda orquesta de cuerdas que quiera salirse de las consabidas serenatas.

La Sinfonía Celta en vídeo desde youtube 

Acá el audio como parte de un programa que incluye Sibelius y Elgar. Dirige el gran Sakari Oramo

LUIS ADVIS: SINFONÍA "LOS TRES TIEMPOS DE AMÉRICA". (1987)

LUIS ADVIS (CHILE: 1935-2004)

SINFONÍA "LOS TRES TIEMPOS DE AMÉRICA" (1987)

Estreno: 1988 (Mérida: integrantes de la Orquesta Nacional de España y de la Orquesta de Radiotelevisión Española, bajo la dirección de José María Chova, Quilapayún, Paloma San Basilio)

I Parte:
1.- Preludio / Relato
2.- Ya mi tierra ha nacido / Relato
3.- Aparece el mestizo / Relato
4.- América tiene amores (Los tres tiempos de América) / Relato

II Parte:
5.- Interludio I / Relato
6.- Hombre de América / Relato
7.- Un hombre desterrado / Relato
8.- Relato breve

III Parte:
9.- Interludio II
10.- Quiero tu tierra tranquila / Relato con fondo musical
11.- Cuando el coyote y el huemul

Duración aproximada: 53 minutos

VG: 4

Discografía:
LP y CD: Paloma San Basilio, Quilapayún. (HISPAVOX)

Comentario: Luis Advis conoció la música popular después de la culta. Era profesor de filosofía y músico. Su obra favorita era "El Caballero de la Rosa" de Richard Strauss. No es extraño, tenía algo del personaje de La Mariscala: cierta distancia y bondad nacida de la experiencia. 

Hay algo profundamente conmovedor en su música. Su lirismo es hosco y tierno, duro si se quiere, pero de una sinceridad aplastante. Su don melódico era excepcional, su contrapunto extraordinario... En Chile, quizá Falabella, Becerra, Cotapos y Leféver podían igualar sus condiciones natas para componer.

Advis tituló sinfonía a su obra por dos razones. En primer lugar incluía orquesta de cámara y en segundo término, iba una paso más allá de la soberbia Cantata Santa María y del inspirado "Canto para una semilla". En esta ocasión, la escritura instrumental era más protagonista. No obstante lo anterior, el título de sinfonía para una colección de canciones ya tenía su propia tradición: Mahler en su Das Lied von der Erde y Shostakovich en su Sinfonía 14 ya habían hecho sus sinfonías de poemarios. Bernstein, por su parte, ya había incluido en su Sinfonía  Kaddish una narradora. Advis sumará a estos conceptos, la idea increíble de una sinfonía culto-popular con instrumentos y modos de la música de raíz foloklórica Latinoamericana. El resultado es único y digno de un hombre con ideas geniales. 

Más allá de la retórica americanista post nerudiana y algo quejumbrosa, muy de los setentas, que se mezcla con una escatología visionaria bolivariana y cósmica (a mí eso me da susto en términos estéticos) los textos (del mismo Advis) tienen calidad suficiente. La música es siempre efectiva y en no pocas ocasiones de una belleza abrumadora. La parte vocal es muy exigente y reclama una cantante popular pero con técnica muy sólida. Por eso eligió para sus estreno a una excepcional Paloma San Basilio. La parte para conjunto foloklórico la hizo teniendo en mente al consagrado y extraordinario conjunto chileno Quilapayún. Lamentablemente, en el único disco oficial de la obra, la orquesta de cuerdas es reemplazada por sintentizador, aunque podemos ver vídeos para la formación completa concebida por el compositor.

La Sinfonía los Tres tiempos de América es la última sinfonía chilena, la más extensa, la más original, y la más conocida en el ámbito internacional gracias a que algunas de sus canciones han pasado al repertorio universal de la música popular.... como dijera una vez un emocionado Manuel de Falla: "En la calle tararean mi Danza del fuego... creo que soy inmortal" Advis, como Violeta Parra, sin duda, es uno de nuestros inmortales.

Links de interés

Acá pueden leer lo que dice Advis sobre esta singular obra musical, se incluyen las letras de los textos: Advis sobre su sinfonía

Por su parte, los. Testimonios sobre el compositor no tienen desperdicio y dan cuenta de una personalidad entrañable, singular y divertida.

Los tres tiempos de América tal como fue concebida por Advis en HD.

El vídeo con el estreno de la obra en España.

El único disco oficial con la obra (aunque no posee las fuerzas orquestales concebidas por el autor)

Un comentario sobre el disco anterior que se editó en España.

JEAN SIBELIUS. ¿SINFONÍA 8? (1945)

JEAN SIBELIUS (FINLANDIA: 1865-1957)

SINFONÍA 8, HUL 1325, 1326/9, 1326/10, 1327 (1945 / año aproximado del material que contendría la obra que al parecer estuvo parcialmente finalizada hacia 1938)

Duración aproximada: 3 minutos

VG: 2

Discografía:

CD: BBC Philharmonic, John Storgårds (Chandos)

CD: Lahti Symphony Orchestra, Okko Kamu (BIS)

He acá la excusa perfecta para referirme a uno de mis músicos favoritos. Sibelius compuso 8 sinfonías: las 7 numeradas y Kullervo (una sinfonía-cantata). Pero sabemos que estuvo componiendo y que de hecho compuso bastante de una Sinfonía 8 (su Novena sinfonía en estricto rigor). Sabemos también que destruyó dicho trabajo que tenía bastante avanzado y quizá finalizado. 

El misterio está servido. Un genio destruyó su última gran obra cuando el mundo entero, literalmente, estaba esperando su estreno... Acá están los hechos sobre esta obra misteriosa. Para esta secuencia me he basado en el estupendo trabajo que podemos encontrar en el magnífico blog SIBELIUS EN CASTELLANO.

1. Sibelius estuvo trabajando en una Sinfonía 8. Sabemos por una carta que ya trabajaba en la nueva obra en 1926.

2. Probablemente ya tenía partes orquestadas en 1928.

3. En 1931, Sibelius le promete al maestro Sergey Koussevitzky el estreno de la obra en Boston.

4. Pese a expresar en varias ocasiones que trabaja con entusiasmo en la obra, suspende el estreno en 1931.

5. Promete ahora el estreno para fines de 1932. Incluso promete el estreno europeo -en Londres- al maestro Basil Cameron.

6. Suspende ambos estrenos.

7. Sabemos que estuvo revisando el primer  movimiento en 1933. Acá el dato más importante: El copista de Sibelius:  Paul Voigt, escribe que ya revisó el primer movimiento. La partitura del mismo estaba completa y constaba de 23 páginas. Sabemos que el segundo movimiento era un Largo. Sabemos, además, que la obra completa estaba en borradores y que tenía una extensión de cerca de 45 minutos.

8. En 1943, Sibelius sigue revisando su Octava Sinfonía.

9. En 1945, aproximadamente, Sibelius quema las partituras de la obra junto a otras composiciones y borradores. La autocrítica del maestro nos privó de una obra que sin duda habría sido muy bella. 

10. En 1982, todos los apuntes sobrevivientes del maestro son donados por la familia a la Universidad de Helsinki.

11. En 2004, el profesor Nors S. Josephson (quien también ha trabajado con el final de la Novena de Bruckner), edita tres esbozos que pudieron pertenecer a la Octava y que se encontraban entre los apuntes sobrevivientes de la producción de Sibelius.

En definitiva podemos afirmar que:

1. Hubo Octava de Sibelius.

2. Es muy probable que dicha Octava estuviera completa, al menos con un movimiento orquestado y revisado.

3. Sibelius destruyó estas partituras a mediados de 1945.

4. Ahora no hay Octava de Sibelius.

5. Existen algunos bocetos que podrían contener ideas de esta sinfonía. Al igual como ocurriera con la Décima de Beethoven, algunas de esas ideas se reciclaron o se relacionaron con otras obras. 

6. Algunos de estos bocetos pueden oírse en, al menos, un par de discos.

Oigamos algo de este misterio:

Las Octavas que no fueron

La increíble Séptima Sinfonía del maestro finlandés originalmente fue una fantasía sinfónica. Siempre he creído que Tapiola, otra fantasía sinfónica de dimensiones similares a la Séptima, debió haber sido la real Octava: tiene tanto o más vuelo que la Séptima con la cual se complementan muy bien. Mientras la Séptima es el abandono de la personalidad, Tapiola nos sumerge en la naturaleza misma. Sin duda, una obra que vale la pena oír una y otra vez.

El espíritu de los bosques jamás habló mejor.

Tapiola de Sibelius

Kullervo es parte de la mitología nórdica. Sibelius le dedica una obra intensa y bella. Una sinfonía con solistas y coros que no lleva número. Esta es una Octava de Sibelius con todas las de la ley.

Lo que el fuego dejó

Acá los fragmentos que pudieron ser parte de esta Octava. Al menos nos pueden dar una idea de cómo pudo haber sonado eso.

Un vídeo informativo, en finés, con imágenes de los ensayos para tocar estos bocetos.

Los fragmentos en cuestión

LUCIANO BERIO. SINFONÍA (1968)

LUCIANO BERIO (ITALIA: 1925-2003)

SINFONÍA (1968 / versión en cuatro movimientos, el quinto se agregó en 1969)

Estreno: 10.X.1968 (Filarmónica de New York y The Swingle Singers, con el compositor como director)

1. I.
2. II. O King (Immobile e lontano)
3. III. In ruhig fließender Bewegung - attacca:
4. IV.
5. V.

Duración aproximada: 35 minutos.
VG: 5

Discografía:
CD: Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu (Ondine)
CD: Göteborgs Symfoniker & London Voices, Peter Eötvös (DG)
CD: Orchestre National de France, New Swingle Singers, Pierre Boulez (Erato)
CD: Royal Concertgebouw Orchestra, Riccardo Chailly (DECCA)
CD: Royal Concertgebouw, Swingle Singers, Luciano Berio (RCO)

Comentario: En 2013 pude oír por primera vez en vivo esta obra maestra. Mi sorpresa fue mayor al percatarme de que esta caleidoscópica partitura era servida por una orquesta enorme. Eso se explica porque Berio usa el gran conjunto como una inmensa agrupación de cámara que exige de cada instrumentista el máximo. 

Es imposible dar una visión completa de una obra tan compleja, inspirada, divertida, poética y dramática. Únicamente Schnitke en su increíble Sinfonía 1 logra ese estado de metamúsica que va más allá de la mera deconstrucción. En efecto, más allá de las múltiples citas, de los textos e hipertextos, la obra funciona con una frescura y vitalidad que no tiene nada de académico. Un auditor medianamente informado advierte las citas, incluso puede seguir sin problemas el scherzo de la Resurrección mahleriana, pero la música es otra totalmente distinta. No es que Berio se limite pintarle bigotes a la Mona Lisa mahleriana, sino que está más cercano a las intervenciones de íconos populares de Andy Warhol, pero en clave culta. Sin duda, la Sinfonía de Berio es post moderna en el mejor sentido de la expresión.

Lo más interesante para mí son los diálogos entre los textos mahlerianos que apuntan a la retórica romántica y sus mistificaciones del autor-dios con los del desmitificador por excelencia que es Levy Strauss. No me puedo imaginar dos genios más apartados uno del otro... pero ahora que lo pienso, convergían en Wagner...

Pues, me parece que si la sinfonía -como señalara Mahler- es un mundo completo, complejo y contradictorio, esta merece ser conocida, sin duda alguna, como "LA SINFONÍA"

Acá un programa dedicado a la obra desde Radio Beethoven

La crítica del estreno chileno a cargo de Gilberto Ponce.

La Sinfonía de Berio dirigida por su autor en la lectura que me parece insuperada

Acá la Sinfonía en vídeo desde el vivo

MILI BALAKIREV: SINFONÍA 1 EN DO MAYOR (1897)

MILI BALAKIREV (RUSIA: 1836-1910)

SINFONÍA 1 EN DO MAYOR (1897)
Estreno: 23.IV.1898 (San Petersburgo / Orquesta dirigida por el autor)

1. Largo - Allegro vivo
2. Scherzo. Vivo - Poco meno mosso - Tempo I
3. Andante
4. Finale. Allegro moderato

Duración aproximada: 44 minutos.
VG: 4

Discografía:
CD: USSR State Symphony Orchestra, Evgeny Svetlanov (Brilliant Classics)
CD: Philharmonia Orchestra, Yevgeny Svetlanov (Hyperion)
CD: Aarhus Symphony Orchestra, James Loughran (Danacord)
CD: BBC Philharmonic Orchestra, Vassily Sinaisky (Chandos)
CD: Russian State Symphony Orchestra, Igor Golovschin (NAXOS)
CD: Philharmonia Orchestra, Herbert von Karajan (EMI)
CD: BBC Symphony Orchestra, Sir Thomas Beecham (BBC Legends)
CD: Sinfónica del Estado de Moscú, Kirill Kondrashin (Melodiya)
LP: Royal Philharmonic Orchestra, Sir Thomas Beecham (EMI)

Otras Sinfonías del autor
- Sinfonía 2.

Comentario: Una sinfonía potencialmente popular que casi no se programa, a pesar de que en su discografía encontramos a directores como Karajan y Beecham. La Primera de Balakirev comenzó a ser compuesta  en 1864 y terminada recién en 1897. Se trata de una obra muy atractiva y colorida. Se abre con un lento que recuerda el universo de la Cuarta de Beethoven, o los modos de von Weber y Schumann.. Desemboca en un allegro muy rítmico y entusiasta, pero algo académico. El scherzo es precioso: una especie de Mendelssohn musculoso que posee una orquestación tan delicada como brillante. Lo mejor, sin duda, es el andante que por sí solo haría famosa la obra si se tocara más. Se trata de un nocturno o romanza de bellísima línea melódica que recuerda a Rimski y a Borodin. En el final, nuevamente se despliegan los impulsos rítmicos, esta vez más étnicos que desembocan en una coda con gigantescas y estentóreas intervenciones de los timbales.

La Sinfonía 1 de Balakirev es una gran sinfonía rusa que merece mayor difusión y popularidad.

La Primera de Balakirev desde youtube

WILLIAM SCHUMAN: SINFONÍA 6 (1948)

WILLIAM SCHUMAN (ESTADOS UNIDOS: 1910-1992)

SINFONÍA 6 (1948)

Estreno: 27.II.1949 (Dalas / Sinfónica de Dalas, Antal Dorati)

Duración aproximada: 30 minutos.
VG: 5

Discografía:
CD: Seattle Symphony, Gerard Schwarz (NAXOS)
DOWNLOAD: Philadelphia Orchestra, Eugene Ormandy (NAXOS)

Otras Sinfonías del autor
- Sinfonía 2.(existe solamente como grabación)
- Sinfonía 3
- Sinfonía 4
- Sinfonía 5
- Sinfonía 7
- Sinfonía 8
- Sinfonía 9
- Sinfonía 10

Comentario: La música sinfónica de Estados Unidos es impresionante, pero relativamente desconocida. Lamentablemente, como sucede con la latinoamericana, es sepultada en medio de los lugares comunes de cierto exotismo. En este caso, de las brillantes fanfarrias de la música para cine o en las extrovertidas contorsiones al modo de Copland y su Lejano Oeste. La música así entendida es una especie de música de fondo para un aviso publicitario de Marlboro. Pues William Schuman representa otra dimensión: la más soterrada y secreta, la que no se dice. Acá el optimismo maravilloso de Copland es acallado por la realidad de la muerte en las guerras, por la certeza de que una Gran Nación siempre es un gran drama. 

La Sinfonía 6 de Schuman es eso. El compositor construye un movimiento de impresionante expresividad y unidad. Hay poesía, pero es la propia de los cementerios y de los abandonos que dejan heridas profundas. Hay brillo, pero es el que encontraremos en el claro de luna que ilumina las trincheras.

La Sexta de Schuman es una obra trágica, intensa y lírica, pero de una amenidad incuestionable. Más cercana al universo de Ives (esas maderas en picada sobre el sutrato de cuerda) que al de Copland y el jazz, la Sexta es una de las mejores sinfonías de su autor y una de las grandes sinfonías estadounidenses. 

La Sinfonía 6 se Schuman dirigida por el mítico Ormandy

Wilhelm Stenhammar: Sinfonía 1 en fa mayor (1903)

WILHELM STENHAMMAR (SUECIA: 1871-1927)

SINFONÍA 1 EN FA MAYOR (1903)
Estreno: XII.1903 (Estocolmo / Orquesta dirigida por el autor)

1. Tempo molto tranquillo, Allegro
2. Andante con moto
3. Allegro amabile
4. Allegro non troppo, ma con fuoco, Tranquillo

Duración aproximada: 56 minutos.
VG: 5

Discografía:
CD: Göteborgs Symfoniker, Neeme Järvi (BIS)
CD: Göteborgs Symfoniker, Neeme Järvi (DG)

Otras Sinfonías del autor
- Sinfonía 2.
- Sinfonía 3 (fragmento).

Comentario: La Sinfonía 1 de Stenhammar fue considerada como una obra superada e inferior por su mismo autor... Pues a mí me parece tan buena como la Segunda. No nos equivoquemos. En la sinfonía están los ecos de Beethoven (los ritmos del primer movimiento que recuerdan la Séptima del genio de Bonn), Mendelssohn, Schumann y, por sobre todo Wagner, Brahms y Bruckner. Con esto alguien podría pensar que se trata de un refrito de estilos, de una obra epigonal y caótica. Nada de eso. La obra es increíblemente bella, de una elegancia y poesía propia de obras maestras. Se ha dicho que es una suerte de Bruckner sueco. El mismo compositor se refirió a esta sinfonía como una especie de Bruckner idílico. La definición no está nada mal. Si este Bruckner es idílico es porque el ambiente espiritual está más cercano a las serenatas de Brahms que a los monumentos metafísicos brucknerianos.
La música discurre sin grandes sobresaltos. El bellísimo tema que abre la obra lo volveremos a escuchar transmutado en varias ocasiones... Sinfonía de riqueza melódica innegable, bellamente orquestada y dueña de un clima espiritual de elegante poesía. Estamos ante otra obra maestra del sinfonismo nórdico.

La Sinfonía 1 de Stenhammar en vídeo HD con Andrew Manze dirigiendo the Royal Stockholm Philharmonic Orchestra

Tomás Lefever. Sinfonía 1, "1964" (1965)

TOMÁS LEFEVER (CHILE: 1926-2003)

SINFONÍA 1, "1964" (1965)

Estreno: 1.VII.1966 (Santiago / Orquesta Sinfónica de Chile, Agustín Cullell)

Duración aproximada: 8 minutos.

VG: 3

Discografía:

CD: Orquesta Sinfónica de Chile, Agustín Cullell (SVR)

Otras sinfonías del autor:

- Sinfonía 2.

- Sinfonía 4 (para piano).

Comentario: Es probable que sea la sinfonía chilena más interpretada junto a la sinfonía Romántica de Soro. Lefever fue una personalidad artística muy atractiva: poeta, compositor culto y popular, pedagogo y teórico. Su obra refleja bien su capacidad imaginativa y de síntesis. A Lefever le bastan 8 minutos (en esto es muy similar a la Sinfonía de Falabella) para crear atmósferas y tensiones sin que por ello decaiga la sintaxis de su discurso. En él está el eco de la propuesta weberniana, pero cruzada por elementos étnicos de fuerte telurismo. El resultado final es una miniatura muy amena, profunda y dramática.

La Sinfonía 1 de Lefever desde youtube (grabación "in house").

Alfred Schnittke: Sinfonía 9 (1997 / completada por Alexander Raskatov (2006) )

ALFRED SCHNITKE (RUSIA: 1934-1998)

SINFONÍA 9 (1997 / Completada por Alexander Raskatov (2006))

Estreno: 16.VI.2007 (Dresden / Filarmónica de Dresden, Dennis Russel Davis)

1. (Andante).

2. Moderato.

3. Presto.

Duración aproximada: 34 minutos.

VG: 4

Discografía:

CD: Dresdner Philharmonie, Dennis Russell Davies, cond, (ECM)

CD: Cape Philharmonic Orchestra, Owain Arwel Hughes (BIS)

Otras sinfonías del autor:

- Sinfonía 0.

- Sinfonía 1.

- Sinfonía 2.

- Sinfonía 3.

- Sinfonía 4.

- Sinfonía 5.

- Sinfonía 7.

- Sinfonía 8.

Comentario: Una obra escrita con la mano izquierda (la derecha la tenía paralizada) que obligó a descifrar la escritura para que viera la luz: el encargado fue Alexander Raskatov. La obra se abre con un acorde muy bello que nos instala en un mundo casi post romántico, pero la ilusión dura poco. Se oye el eco lejano de Shostakovich en medio de una claridad increíble de voces. La música jamás se reitera; por el contrario, avanza e incrementa su velocidad a través de los tres movimientos. El resultado es tan caleidoscópico y poético como fascinante. Menos arriesgada, oscura y emocional que la Octava, la Novena es una gran sinfonía que cierra con maestría uno de los ciclos sinfónicos más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

La sinfonía 9 desde youtube:

Carlos Chávez. Sinfonía 2, "India" (1936)

CARLOS CHÁVEZ (MÉXICO: 1899 - 1978)

SINFONÍA 2, "INDIA" (1936)

Estreno: 23.I.1936 (Orquesta de la Radio Columbia dirigida por su autor / en transmisión radial)

Duración aproximada: 12 minutos.

VG: 4

Discografía:

CD: The New World Symphony Orchestra, Michael Tilson Thomas (Argo)

CD: London Symphony Orchestra, Eduardo Mata (Vox, Brilliant classics)

CD: The Stadium Symphony Orchestra of New York, Carllos Chávez (Soundmark)

CD: Mexico National Autonomous University Philharmonic Orchestra, Ronald Zollman (Urtext)

CD: Simon Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela, Eduardo Mata (Dorian)

CD: Orquestra Sinfonica de Xalapa, Orquestra Sinfonica de Minerla, Herrera de la Fuente (Guild)

CD: Orquestra Filarmonica de la Ciudad de Mexico, Enrique Batiz (ASV)

Otras Sinfonías del autor

- Sinfonía 1.

- Sinfonía 3.

- Sinfonía 4.

- Sinfonía 5

- Sinfonía 6.

Comentario: La Sinfonía 2 de Chávez es la sinfonía latinoamericana más conocida a nivel mundial. La tocan con cierta frecuencia orquestas como la Filarmónica de New York, Berlín y Londres. No obstante, su fama puede mover a error. En efecto, Carlos Chávez parece en esta composición un hermano directo de Villa-Lobos pasado por Stravinsky, pero la verdad es que Chávez fue un compositor más vanguardista y cosmopolita que como se muestra en esta su obra más conocida y abiertamente popular. 

La Sinfonía India es irresistible en sus ritmos, colores y potencia sonora (su coda suele causar el delirio del público). Sus elementos étnicos son honestos y documentados: los temas son originalmente indígenas y Chávez les da un valor sinfónico innegable. La orquestación es maestra e incluye una plantilla de percusión generosa que contempla instrumentos "exóticos" como la jicara de agua y güiro, entre otros. Esto la convierte en una obra digna de verse en vivo.

La obra merece su fama y es una excelente puerta de entrada al fascinante mundo sinfónico de la América que está al sur de los EE.UU.

Desde youtube, la Sinfonía India en concierto.

Un registro dirigido por el mismo compositor

George Enescu: Sinfonía 3 en do mayor, op. 21 (1918)

GEORGE ENESCU (RUMANIA: 1881-1951)

SINFONÍA 3 EN DO MAYOR, OP. 21 (1918)

Estreno: V.1919 (Bucarest / Orquesta dirigida por su autor)

1. Moderato - Un Poco Maestoso

2. Vivace - Ma Non Troppo

3. Lento - Ma Non Troppo

Duración aproximada: 53 minutos.

VG: 5

Discografía:

CD: Chœur de Chambre Les Eléments & Orchestre National de Lyon, Lawrence Foster (EMI)

CD: Florentin Mihaescu (choirmaster), Cluj-Napoca Philharmonic Choir, Cluj-Napoca Philharmonic Orchestra, Ion Baciu (Marco Polo)

CD: Tampere Philharmonic Orchestra & Choir, Hannu Lintu (Ondine)

CD: Leeds Festival Chorus, BBC Philharmonic, Gennady Rozhdestvensky (Chandos)

CD: Royal Scottish National Orchestra, Petter Sundkvist (Naxos)

Otras Sinfonías del autor

- Sinfonía de estudio 1.

- Sinfonía de estudio 2.

- Sinfonía de estudio 3.

- Sinfonía de estudio 4

- Sinfonía 1.

- sinfonía 2.

- Sinfonía 4 (incompleta)

- sinfonía 5 (incompleta)

Comentario: La Tercera es probablemente la mejor sinfonía de Enescu y probablemente la obra maestra del género en Rumania. A pesar de estar rica y brillantemente orquestada, es de una densidad conceptual que evita todo efectismo. El inicio es tremendo: oscuro y dramático para devenir una orgía sonora muy en sintonía con los modos de Scriabin. Podemos apreciar la orquesta de Richard Strauss, pero incluso a Puccini y a Dukas. No debemos engañarnos, los ropajes son brillantes, pero la furia y la desolación nos aguardan en rincones ocasionales, pero devastadores. Sin ir más lejos, en medio del segundo movimiento que se aprecia como un divertimento, sobreviene una disonante intervención de metales de atractiva brutalidad. En el final, al fin el discurso se vuelve más amable. Entran las vocalizaciones del coro y el sonido de las campanas dan algo de sosiego a una partitura que no oculta su drama.
Una obra para oír muchas veces. Siempre le encontraremos una vista nueva a este genial, intenso y bello paisaje sonoro.

Desde youtube, la sinfonía 3 de Enescu en una lectura maestra del vivo, con Gergiev.

Wilhelm Stenhammar: Sinfonía 2 en sol menor, op. 34 (1915)

WILHELM STENHAMMAR (SUECIA: 1871-1927)

SINFONÍA 2 EN SOL MENOR, OP.34 (1915)

Estreno: 22.IV.1915 (Gothenburg / Orquesta Sinfónica de Gothenburg dirigida por el compositor)

1. Allegro energico
2. Andante
3. Scherzo: allegro, ma non troppo presto
4. Finale: sostenuto - Allegro vivace

Duración aproximada: 45 minutos.
VG: 5

Discografía:
CD: Malmo Symphony Orchestra, Neil Thomson (Daphne)
CD: Göteborgs Symfoniker, Neeme Järvi (DG)
CD: Göteborgs Symfoniker, Neeme Järvi (BIS)
CD: Stockholm Philharmonic, Stig Westerberg (Caprice)
CD: Royal Scottish National Orchestra, Petter Sundkvist (Naxos)

Otras Sinfonías del autor
- Sinfonía 1.
- Sinfonía 3 (fragmento).

Comentario: Estamos ante una sinfonía fácilmente querible. No me puedo imaginar un comienzo mejor: una simple figura rítmica como primer tema y un segundo tema de una belleza indescriptible, una de esas melodías que no bien son oídas por primera vez ya son viejas conocidas. El estilo de Stenhammar es clasicismo en estado puro, llevado con vuelo poético y aristocrática elegancia. En esta música están los modos de Mendelssohn, también Sibelius y algo muy propio de Stenhammar: señorío, cierta noble distancia que es quizá una de las marcas del verdadero genio artístico. El Andante de gran nobleza y algo de soterrado sufrimiento es seguido por un precioso scherzo. En el final, algo de academicismo no es impedimento para que el compositor arme una pieza brillante, sabiamente contrapuntística que remata en una coda impresionante.

Sin duda una obra maestra y un orgullo de la música sinfónica sueca.

Desde youtube, la Sinfonía 2 de Stenhammar

En vídeo HD con la orquesta que estrenó la obra



Stenhammar - Symphony No. 2 from Göteborgs Symfoniker on Vimeo.

Leevi Madetoja: Sinfonía 2, op. 35 (1918)

LEEVI MADETOJA (FINLANDIA: 1887-1947)

SINFONÍA 2, OP. 35 (1918)
Estreno: 17.XII.1918 (Helsinki / Orquesta dirigida por Robert Kajanus)

1. Allegro moderato
2. Andante
3. Allegro non troppo
4. Andantino

Duración aproximada: 45 minutos.
VG: 5

Discografía:
CD: Helsinki Philharmonic Orchestra, John Storgards (Ondine)
CD: Oulu Symphony Orchestra, Arvo Volmer (Alba Madetoja)
CD: Helsinki Philharmonic Orchestra, Jorma Panula (Chandos)


Otras Sinfonías del autor
- Sinfonía 1.
- Sinfonía 3.

Comentario: Otro gran sinfonista finlandés. Madetoja vivió en la misma época de Sibelius y quizá es el contemporáneo que más se le parece. No obstante, Madetoja va ganando adeptos gracias a la propia luz que irradia. Sus tres sinfonías son magníficas, pero la segunda es la más generosa en términos sonoros y emocionales. Escrita bajo la influencia de la cruenta guerra civil de Finlandia, la obra es brillante pero dramática. La preciosa melodía de la exposición se desarrolla de modo fluido marcada por un bajo que nos recuerda la Sexta de Bruckner, y va adquiriendo tonalidades muy variadas con intercalaciones de sonidos propios de las aves boreales. El resultado es de una modernidad que nos remite a Sibelius, sin duda, pero también a los impresionistas. El movimiento lento es un instante de bucólica belleza con maderas fuera del escenario. El scherzo es sensacional: extenso y violentísimo por momentos. Es el centro del drama (quizá aludiendo a su hermano fallecido en el conflicto). El cuarto movimiento actúa como una resignada coda. Un cierre muy adecuado a una obra maestra que nos muestra que la violencia extrema duele más cuando se expone tan bellamente. Acá no está solamente la muerte, sino la lírica contemplación de la humanidad que se apaga por instantes. La sensación no es de tragedia abierta, sino de resignado abandono ante la realidad de la condición humana.

Desde youtube, la Sinfonía 2 de Madetoja

Alberic Magnard: Sinfonía 3, en si bemol menor, op. 11 (1896)

ALBERIC MAGNARD (1865-1914)

SINFONÍA 3, EN SI BEMOL MENOR, OP. 11 (1896)

Estreno: 14.V.1899 (París / Orquesta dirigida por el compositor)

1. Introduction Et Ouverture. Modere-Vif-Movt De L'Introduction.

2. Danses. Tres Fiv-Dedoublez Movement.

3. Pastorale. Modere.

4. Finale - Vif.

Duración aproximada: 45 minutos.

VG: 5

Discografía:

CD: Malmö Symphony Orchestra, Thomas Sanderling (BIS)

CD: BBC Scottish Symphony Orchestra, Jean-Yves Ossonce (Hyperion)

CD: L'Orchestre de la Suisse Romande, Ernest Ansermet (DECCA)

Otras Sinfonías del autor

- Sinfonía 1.

- Sinfonía 2.

- Sinfonía 4.

Comentario: El francés Magnard es un compositor injustamente desconocido por el gran público. Sus sinfonías son espléndidas y la Tercera de ellas se eleva fácilmente a la categoría de obra maestra. Si, como sostenía Mahler, una sinfonía es un mundo hecho sonido, esta Tercera califica como un mundo amplio, misterioso, de vastedades espirituales que esconden el pavor y la belleza por partes iguales. A Magnard se le ha calificado como el Bruckner francés... y esto en cierto en gran parte: ahí están esos cornos sobre el sustrato de la cuerda en el primer y cuarto movimientos o los corales olímpicos, pero Magnard no alcanza el terror metafísico del austriaco. A cambio, nos ofrece universos quizá más sutiles. Esto se revela en el movimiento lento: nada de sentimental, de una poesía postwagneriana muy atractiva, en particular hacia el final cuando la línea melódica se expande generosamente. Los finales de Magnard son espléndidos (quizá mejores que los brucknerianos) y este en particular es paradójicamente ensimismado y grandioso a la vez. Quizá es lo que más me gusta de esta magnífica obra: en medio del crispado discurso, de pronto asoman esos metales casi en sordina, flotando sobre una cuerda que pareciera venir de una dimensión o muy distante o mejor. La sensación es atemporal, poética y profundamente espiritual.

Desde youtube, la Sinfonía 3 de Magnard